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当然，音乐表现绝不仅仅是技术的高低，交响乐的魅力还在于来自精神层面的丰富内涵，没有一首交响乐不是作者缜密思考、激情创作的结果，那些源于作者写作历史背景下的各种观点，对社会、人生的思索以及哲学思想，构成了交响乐丰富的知识性和深邃的哲理性。
比如，大家熟悉的贝多芬《命运》交响曲，是一首与命运抗争的名曲，反映了贝多芬在遭受耳聋、失恋等命运的打击之下，甚至写了海林根施塔特遗嘱后，不甘沉沦的心情。表现了他要重新振作起来，要扼住命运的咽喉的决心，以及只有靠斗争才能战胜黑暗和困难、走向光明的哲学思想。而在贝多芬的第九《合唱》交响曲末乐章《欢乐颂》中，作曲家通过诗人席勒的诗句，表达出其奋斗终生的崇高目标——亿万人民和谐共处，世界大同，以及四海之内皆兄弟的自由、民主、博爱的人文主义思想。
法国浪漫派音乐家柏辽兹（18031869）曾写了一部《幻想交响曲》（一个艺术家的一生）。表面上是描述一个艺术家在吞食了鸦片之后的种种幻觉，实际是通过音乐来表现了一个人的一生：一个艺术家从12岁初恋到20岁狂热的单相思，以及由此激发出的创作激情和灵感。柏辽兹以此记叙了那个时代的社会风情和状况，通篇听罢，宛如读了一部小说。
俄罗斯伟大的作曲家柴科夫斯基（1840—1893）的第六交响曲（《悲怆》），写于他去世的前一年，并在临终前两个多月亲自指挥首演。这部作品被作者评价为“生平从没有这样满足、骄傲、快乐过，因为我写了一部好作品”。 “我自己以为它是最好的，特别是胸襟最开朗的一部作品，我爱它，对其他任何一部作品创作，从来没有这样爱过。”那么，在这部作品中，柴科夫斯基展示了何种胸襟呢？整部作品笼罩着一种心神不安、躁动甚至神经质的心绪，时而甜蜜，时而痛苦，从中我们不难看出他生活的缩影结婚不到一个月即离家出走，因精神失常被送入医院，支持他长达14年的经济赞助人梅克夫人突然与他断交，以及不同常人的性爱取向和不被人理解等，都给他一生蒙上了忧郁和绝望的阴影……所有这一切，都反映在他的音乐中。到了末乐章，简直就是一首安魂曲，最后的长音渐弱到pppp（通常作品只用两个p，最多三个），其悲怆情绪可想而知。柴科夫斯基是在籍此来告别人生，他用音乐写下一封充满悲情的遗书。
不管是交响乐还是流行音乐，都在用各自不同的方式在讲述和表达思想、情绪，如果说流行音乐如同一首首撩人心弦的小诗，那么交响乐就像是一本本耐人寻味的图书。诗短小精炼，而书要一页页翻阅，才能善解其意。只有很好地了解交响乐的音乐语言，了解她的历史背景及作者的创作意图，熟悉相关的政治、宗教、哲学、地理等知识，才能更好地解读和欣赏。
其实，严肃音乐与流行音乐也并非是对立和互不相容的，在一些作品里我们可以看到它们相互借鉴、相得益彰的踪影。美国作曲家格什温（18981937）的代表作管弦乐曲《一个美国人在巴黎》，在强烈的爵士乐风格节奏伴奏下，由小号奏出迷人的美国黑人布鲁斯音调，那勾人魂魄的旋律刻画出这个在巴黎的美国人的思乡情绪。而从他25岁时所写的成名曲钢琴与乐队的《蓝色狂想曲》（也叫《布鲁斯狂想曲》）中，我们可以从名字上联想到它的风格，这首揉进了大量爵士乐风格的管弦乐曲，在严肃音乐的殿堂卡内基音乐厅里演奏时，受到了美国各阶层的热烈欢迎，它被美国人称为“我们自己的交响乐”。的确，古典交响乐与爵士乐风格的巧妙结合，形成了美国独特的严肃音乐风格。
提到摇滚乐，我们都会想起那些声嘶力竭的喊唱及剧烈的身体舞动等等，其实摇滚乐中也有很多不同的风格。我曾听过一种叫做“巴洛克风格”的摇滚乐，其中既有豪放忘情的摇滚风格，也有遁规蹈矩、似乎带着假发的那种18世纪中叶的巴洛克格调，加上演唱的歌手台风端正，英俊潇洒，举止得体，豪放中不失典雅，颇有一种出身名门、高贵而有教养的感觉。
交响乐队中很多专业演员，特别是年轻人，其实都很喜欢流行歌曲。我随交响乐队去外地演出时，晚上和大家一起去卡拉OK厅唱歌自娱，除了我和首席选唱的是俄罗斯歌曲，年轻人选的都是流行歌曲，这些歌曲有很多都不错，尤其是二重唱，良好的音准加上十足的韵味，使两个声部天衣无缝，十分和谐。一些乐器演奏员，还将业余爱好变为专业，凭借着自己深厚的器乐功底，在唱歌方面显示出音准、乐感和音乐处理上的优势，一展风采，成为流行乐坛的知名歌手。
当然也有另外一种情况，一些从事流行音乐的歌手，同时深深地受到交响音乐和歌剧等古典音乐艺术形式的吸引和感染，充分汲取其中的养分，来丰富自己的内涵和底蕴，提升艺术表现力，从而使他们的表演更大气和富有张力。
《穿越艺术》 漫话音乐阳春白雪和下里巴人（3）
无论通俗或高雅，她的最高宗旨是为观众带来快乐，带来享受。2003年年底，我在德国柏林曾看过一场被称为“嘎啦剧”的演出，剧名叫Mikos Kosmos，讲的是一段父女之情的故事。这种演出形式我过去从未见过，问及德国朋友，他们也说不清，只告诉我，“什么都有，在德国非常热门”。实地一看才知道果然难以说清，剧场被霓虹灯点缀得五颜六色，观众席的灯光则很幽暗，布置得像中国旧时的戏园子，观众围小桌而坐，桌上有饮料和小食品以及点点烛光。节目是通过五花八门的表现形式来围绕一个剧情展开，既有小乐队演出的古典经典乐曲，又有流行歌曲；既有舞蹈，也有杂技；还有一些滑稽的哑剧表演，所有这一切都用一个剧情串起来。台上的演员大都很年轻，技艺高超而且非常投入。台下观众专心致志，个个饶有兴趣。在剧情高潮时，或是报以会心的微笑，或是报以热烈的掌声，表现了良好的素养。
在这种舞台表演形式的创造者看来，不管是古典的，还是流行的，只要它能够给观众带来快乐，受到观众喜爱，就是成功。我想，这也许就是柏拉图指的那种“混淆”吧。但是如果它能够给人带来愉悦、做到雅俗共赏，这样的混淆也不失为一种有益的尝试。
生活是多姿多彩的，艺术也是各据一隅，独领风骚。就像着装一样，在不同的场合会有不同的需求：运动时需要穿运动装，休假时穿上休闲装，工作时着正装，参加宴会还要换上晚礼服。艺术也是一样，高雅，或通俗，各司其职。要知道，人们有时需要轻松，有时需要士气，有时需要发泄，有时需要共鸣，有时又需要鼓舞和鞭策，还有时心灵需要回归自然……所以，无论阳春白雪，还是下里巴人，都将搭筑起一座座精神家园，在这些精神家园的护佑下，人们得以滋补生息，汲取力量，得到心灵的慰籍或鼓舞，从而精力更加充沛、满怀信心地面对生活和前进的道路。
《穿越艺术》 漫话音乐听音辨律（1）
为了使美妙的音乐愉悦我们的耳朵，演奏家们在演奏之前总要调音对弦，使之准确，以免跑调，否则使人听起来很不舒服。但是有一种现象非常有趣：一件乐器明明在单独演奏时音准很好，但与其他乐器一起演奏就不太和谐，怎么听也别扭。无论是西洋乐器还是民族乐器的独奏，甚至一些独唱的伴奏，这种现象都有可能发生。
在这里，我们首先排除一些客观原因，比如乐器的差异、训练不足、技巧不够娴熟等等，单就音准而言，尽管对于音准的标准每个人都有不同的主观感受，见仁见智不尽相同，但大体上不会相差太远，如果音准问题到了大家一致摇头，都无异义的程度，那就实在是不太正常，甚至有点滑稽了。有一次我偶然在乐队录音休息的间歇，看到电视里正在播放音乐节目。一个专业民族乐团在演奏约翰？斯特劳斯的《蓝色多瑙河》时，一些乐句的音准竟让大家面面相觑，摇头苦笑。当然，如果演奏家们练习得充分些，指挥在音准上提出更严格、具体的要求，情况可能会有所改善，但更主要的是在民族管弦乐队决定移植这首名曲时，就已埋下了音准的隐患。在这里绝不仅仅是使用乐器的不同，就是不同乐器不同乐队的演奏家们对音准的概念也是不尽相同的。我刚做指挥的时候，有一次尝试指挥民乐队录音，不知是自己太挑剔，还是乐器有问题，结果总在对音，明明对准了，一演奏又不对了，最后一上午都没录成。当时没有接触过民乐，觉得特别困惑。后来记得是在80年，有一次我正在排练厅为出访日本而苦练黎英海先生改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》，民乐团的指挥彭修文老师恰好刚排练完，看我在练琴就站在琴旁给我上起课来，告诉我每段的标题及其中的含义，一站就是一个半小时。临走时，我请教他关于民乐音准的问题，他一指钢琴只简单地说了一句：“你受平均率音准影响太深了！”
音准问题不仅在乐队演奏时出现，在合唱队中也出现过。中央电视台在录制作曲家瞿希贤老师的作品音乐会时，其中有一首根据惠特曼的英文诗谱写的女声三部合唱：《母亲与婴孩》（Mother and baby），排练时用的是钢琴伴奏。结果只要钢琴一弹，三个声部就显得不和谐，最后竟然到了排不下去的地步。除非大家硬按照钢琴的音去找，虽然勉强唱下去了，但总